回歸人與土最單純的關係，徐永旭以身體作為創作主體的概念，將他的作品化為深具震撼力的藝術家肖像。我們在布滿指紋印記，重複不斷揉捏、按壓、堆疊的作品中，看到不斷跑馬拉松、不斷創作的徐永旭堅定的眼神，彷彿遠古神話的巨人夸父，追逐太陽至日落之處，棄手杖為茂密樹林，肉身化為山河大地。

2021年獲得國內陶藝界最高殊榮「臺灣陶藝獎」首屆卓越獎，徐永旭以陶土作為創作媒材，卻以極具反差張力的「反陶」美學，體現獨樹一幟的當代藝術實踐。 2008年憑作品《界．逾越》奪得「第八屆日本美濃國際陶藝競賽首獎」，成為臺灣奪得該獎項的第一人；2018年，獲選為聯合國教科文組織國際陶藝協會榮譽會員，屢獲國內外藝壇肯定。

「物／我」指涉徐永旭作品與創作者之間互為主體的關係。既是對抗拉扯，也是對話共舞，更是合一無二。他選擇最樸素的白色或黑色陶土，用最原始的盤條築泥、揉捏按壓，讓作品表面忠實記錄整個創作過程，環境的溫濕度、空氣的流動、身體的痛楚與疲憊，長時間不斷重複單一動作產生的變化與張力，使得創作如同生物築巢，形成一種生命的本能，所有痕跡都凝鍊了自身的生命經驗、情感和記憶。

徐永旭曾兩度於朱銘美術館展出，繼2000年「位‧位‧位」個展與2011年「材質物語－土」聯展，今年再次展出，是為十年一遇的美好邂逅，更能體現徐永旭創作的精彩蛻變。本展精選徐永旭2013年至今二十餘件代表力作，從室內展廳延伸到戶外裝置，或氣勢磅礡或纖細微妙，完整呈現其近年藝術實踐的精髓；特別規劃的體驗活動，引領觀眾透過手與土的對話，實地感受身體介入帶來更豐富的「物／我」參觀體驗。

特別感謝：YouV、尹諾士國際股份有限公司、達奇藝術、双方藝廊

生於街頭，以叛逆DNA撼動世界。「塗鴉」(Graffiti)的英文字源於拉丁文的「書寫」(Graphium)，當代塗鴉創作者遊走都會之中，以個人風格鮮明的簽名或圖像，作為領域標記、抒發主張或宣示自我存在，在批判、衝撞中找到新的詮釋方式；尚–米榭．巴斯奇亞(Jean-Michel Basquiat)、凱斯．哈林(Keith Haring)、班克斯(Banksy)等塗鴉藝術家創造的傳奇，翻轉次文化與主流藝術的分野，加以網路傳播與社群時代推波助瀾，塗鴉藝術演變為最能介入社會、貼近大眾，自帶美感主體、富有潮流元素的藝術表現形式，並且在街頭以外的場域找到更多可能。

2021年朱銘美術館年度特展「無限－塗鴉俱樂部」邀請九位活躍於國內外的臺灣塗鴉創作者，共同聯手現地創作。將長達45公尺的長廊兩側壁面，化為揮灑熱情和創意的舞台，體現塗鴉藝術在臺灣，既師法歐美文化、也內化出在地美感脈絡的特質，兼融大眾取向的街頭性格與反骨創新的藝術個性，揭示「塗鴉藝術進入美術館」的當代藝術風潮。

展覽以「無限」為題，聚焦天地之間的日月輝映與自然循環，將現地創作的兩側牆面，作為對望的白晝與黑夜，匯集礦物、草木、雨水、火光、壤土、疾風、日月和星辰等各種元素，象徵萬物凋零過後，終將勃發繁盛的無限生機。九位創作者在此共同創作中，注入個人的代表圖像和技法，風格各異卻又渾然一體，以回應後疫情時代的當下，若秉持塗鴉藝術的精神勇於突破現況，當能破蛹而出，如天地運行生生不息，迎來無邊無限的活力。

策展人：REACH×朱銘美術館展覽部

參展藝術家：
BLACKZAO, COLASA, DISK, DZUSONE, MR. OGAY, REACH, SEAZK, SONG

特別感謝：
HOTEL PAPA WHALE、虹牌油漆、文生美術企業、MONTANA COLORS、KRINK、乙泰旅遊、大河美術

身處於商品氾濫的都市自然中，人類的創造活動不再只是從自然環境中取得原始材料，大量製造的商品已成為生活中最隨處可得的材料與資源，例如IKEA的設計在全球都可以被購買與組裝，而台北後車站的太原路（台北的五金批發地）成為藝術家的靈感泉源，抑或是轉角的小北百貨存在著我們與商品們互相依存在生活中的痕跡。
本次展出的三組作品皆非傳統概念下的工業產品設計，而是以現成物作為創作材料，從不同面向出發的探索與反思。相對於傳統從原始自然中取材製造的過程，現今自然與文明的絕對二元分立已不復存在，由人自然的充分介入與改造，而成為的「都市自然」，成為製造與生產關係的原材料產地。而這種以現成物作為創作材料的方式，被我們定義為「後製造」。

人從事運動的歷史悠久，作為強身健體或休閒育樂，乃至具觀賞性的競技比賽，成為重要的文化內容。直到今日，運動衍生的現象和議題，始終貼伏於眾人的日常，也是藝術創作中常出現的主題。適逢四年一度的奧運熱潮，朱銘美術館策劃「創藝運動場」特展，以各式運動主題的藝術創作，將展覽空間轉化為觀眾與藝術家進行藝術交流的運動場。展覽從身體美感的呈現，到生活處境的省思，再到社會體制的思辨，開展出運動主題作品的多樣形式與內容。

本展據此由聚焦運動過程內的身姿體態開始，藝術家以運動的身體為刻劃的對象，或舒展或內收，或輕柔或堅實，淋漓呈現肢體形塑的張力與美感，體現其以材質造形的能力，以及各具特色的創作語彙。此外，藝術家也以運動為比喻，著眼其「動作或規則」與「生活或社會」之間某種貼切的相似性，再予以藝術性地表現；或以運動為符碼，使其跳脫原本的脈絡，而置入迥異的情境，擾動既定觀念或規範，令觀者思考人與所處環境的關係，皆讓作品得以深入探索甚或挑戰各式議題。

參展藝術家：王志文、朱銘、李明學、致穎、崔廣宇、張育嘉、郭奕臣、陳萬仁、黃法誠、楊英風、蒲添生、蒲浩明、蒲宜君、達利。

本展首次發表的〈太極系列－太極拱門〉作品，是朱銘以埋藏距今五千多年的古茄苳沉木創作而成。深埋地底的古沉木，展現久經歲月的紋理與蒼勁古樸的美感，珍稀而難以取得，再經藝術的轉化而更具獨特的價值。在創作上隨順材料天性的朱銘，為保留此古沉木的大型量感與外觀特色，決定以〈太極拱門〉為主題來進行創作，僅做出較少限度的切割雕鑿，挖空木材中下方，並切除部分木材，形成拱門的造形，再於表面稍加修飾，突顯樹體原有的古貌，同時呈顯古沉木奇偉粗獷的外形與質感，和〈太極拱門〉所強調對招中氣韻連結的勁道與生命力。

為完整呈現古沉木〈太極拱門〉在朱銘整個《太極系列》中的特色，本展以「不朽」為名，除了聚焦古沉木的歷久彌堅外，更以此回顧與連結不同階段的木雕《太極系列》作品，讓觀眾了解各階段的特色，以及彼此之間的延續與差異，乃至整體的美學觀念，亦成為藝術家不朽的創造體現。在展覽規劃上，便以創作論為軸線，作品為線索，探究朱銘如何掌握太極主題的精神，以作品進行形與質的試驗，從而獨創發展出簡化的造形語彙，並體現在對招的創作中，逐漸形成〈太極拱門〉的作品。藉由以上的鋪陳，讓古沉木〈太極拱門〉成為此展覽的壓軸，引領觀眾探索朱銘木雕《太極系列》的發展脈絡，以及古沉木作品的風貌與內涵。

※本展覽之古沉木作品創作使用之木材由湯化奎先生及邢瑞瑄先生捐贈。其中關於古沉木的科學研究資訊出自林仁政博士所著《朱銘美術館「埋藏千年古茄苳沉木」內涵調查研究計畫》。

每逢夏季，朱銘美術館藝術長廊多以徵件或邀請的方式，提供創作者於200公尺長的廊道進行現地創作，自1999年本館開館以來，歷時近二十年的累積，成為館內推廣藝術教育與交流創作的重要展演平台。

2019年藝術長廊以「伏山海而棲」為題，呼應本館「兒童藝術教育雙年展」中「住」的子題，突破以往壁畫創作的形式，邀請創作者王力之及其工作團隊「Cepó者播藝術中心」，將阿美族港口部落原住民長久以來所傳承，與自然環境形成共生關係的獨特哲學，扣連本館所在山緣濱海的地理環境，以竹編技術，構建富具歷史文化內涵的遊憩空間。本展盼以「伏」的姿態，讓作品融入更多在地環境的感知經驗，帶出人於自然悠遠流長的棲居與依伏，讓觀眾深入體會原住民與山海共處的智慧。

本次現地創作從原住民漁獵文化出發，以傳統漁獵器具作為創作轉化的依據，藉此回應金山豐饒的海洋人文資源。在空間規劃上，則將藝術長廊獨具的狹長地形，使觀眾於其中呈線性移動的狀態，比擬為溪流與魚群之間的關係，順次構築以傳統捕魚竹器為發想，講求不濫捕，與自然維繫共生共存的《共生》；蘊含潛獵思維，貼伏山形而設的《掩護所》；最後則是賦予聚會議事、獵後共食意涵的《米耙流》。試圖讓原住民的漁獵文化於藝術長廊中，開展出豐富而完整的美學視野。

現地創作：2019/06/25 - 2019/09/30
成果展覽：2019/10/01 - 2022/05/29

2019年朱銘美術館推出「相／像：朱銘雕塑與影像的形構」研究展，以攝影所照之「相」與雕塑形塑之「像」的映對關係為命題，藉由朱銘各時期的雕塑作品為本，對應著臺灣的攝影作品，探索看似截然不同，於時間與空間各據一方的兩者，如何在共享之視覺語彙中，激盪出對話的可能性，進而尋思視覺藝術創造，牽引出視野之外的想像世界。在此，以雕塑及攝影在創作過程，同樣面臨的思考脈絡為基礎，分為三展區：相像之間、紀實之外、形塑之像。

「相像之間」展出朱銘雕塑之楊英風半身像，以及多位攝影師拍攝之朱銘肖像，在攝影之「相」與雕塑之「像」映對之中，探索詮釋之概念及表現方法，體現多樣藝術創作的思考與角度。「紀實之外」由朱銘所拍攝的一幀相片，反映出七〇年代藝文圈的氛圍。在當時臺灣報導攝影方興未艾之際，《漢聲雜誌》與〈人間副刊〉如何以不同的詮釋方式報導1976年朱銘在歷史博物館成功的個展？從雕塑家拍攝的照片，到照片中的雕塑，希望能在展覽中梳理從雕塑到攝影，紀實之外的可能性。「形塑之像」兼融雕塑與攝影，探索「人」所衍生之「像」，皆有藝術家的個人詮釋，此區以「身體」、「存在」兩子題，展出朱銘《人間系列》雕塑，以及各攝影師的攝影作品，以此一窺雕塑及攝影，兩者各在所掠之像中，如何誘發出視野未能見之像，乃至意象。隨著展覽層層推進，將雕塑及攝影在各切面的考量下，抽絲剝繭地發現，兩者如何對話與再創造，進而呈現獨特的視覺語彙，並激盪出多樣的火花。